油画橘色鲜花寓意什么，从中你又得到了什么创作灵感？
巴勃罗.毕加索生于1881年10月25日，逝于1973年4月8日，现代艺术的创始人，西班牙画家、雕塑家，他还是法国共产党党员。毕加索是当代西方最有创造力和影响最深远的艺术家，是20世纪最伟大的艺术天才。
毕加索的作品风格丰富多样而且数量繁多，因此可以说，不同的人都可以从中找到自己喜欢的作品。如果是一个真正喜欢毕加索作品的人，那他一定选不出最喜欢的，只有更喜欢的作品。
1.哭泣的女人
2.老吉他手
3.镜前少女
4.格尔尼卡
5.三个音乐家
6.坐着的女人
7.朵拉与小猫
8.梦
9.画家与模特
10.戴帽子男人的半身像
这些作品百看不厌，每一次看都会有新的感觉和想法。这也是比较公认的毕加索十大名作吧。不过怎么找不到《斗牛士》那幅画作呢？
林风眠金秋的颜色主要描写？
林风眠将中国画的写意情怀与西洋画的浓重色彩进行了大胆的结合。
在苍山的存托下，亮丽耀眼的黄色、橙色，将金秋的风韵渲染与纸上。水中的倒影给画面带来几分恬静，使画面热烈的色彩和幽深的意境完美的统一。运用大面积耀眼的水粉色突出金秋的感觉，使人印象深刻。这种墨、粉混用的画法还有一大好处，即便于修改，色彩与笔触的重叠使修改成为可能，林先生曾说，他的画有些是改好的。林风眠将水粉大胆引入到水墨中，是对中国画改革的一大贡献。梵高最有名的三幅画是什么意思？
梵高著名的三幅作品，向日葵、星月夜、鸢尾花。第一幅，向日葵。
这幅作品向日葵仅由绚丽的黄色色系组合，花瓣富有张力，线条不羁，大胆肆意、坚实有力的笔触，在明亮而灿烂的底色上构成不同的色调与气势，把朵朵向日葵表现的动人心弦。这就像梵高一生都在渴望生命的热忱以及真挚的爱情，可是他最终仍旧一无所有，他只有在心底呐喊，用色彩来表达和倾诉对生命的渴望。 第二幅，星月夜。
在这幅画中，梵·高用夸张的手法，生动地描绘了充满运动和变化的星空。夜晚的天空高又远，大星、小星回旋于夜空，金黄的满月形成巨大的漩涡，星云的短线条纠结、盘旋，仿佛让人们看见时光的流逝。暗绿褐色的柏树像巨大的火焰，是星夜狂欢的响应者。天空下，安睡的村庄那么宁静、安详。淡蓝的色调，动感的线条，给人自由的时空感。·高通过这幅画作不是想用浩瀚的宇宙来反衬出人类的渺小，令人类生出畏惧之心，而是传达出一种不向命运低头的精神。 第三幅，鸢尾花。
鸢尾花和向日葵一样，原本都是很平凡的植物，但梵高赋予它们精彩的形象与色彩以及永恒的生命力，是这位一生都在痛苦与挣扎中度过的画家对大自然的赞美，对美好生活的向往，仿佛是一位黑暗中孤独的舞者内心里无语的倾诉，他画的鸢尾花鲜丽可爱，但又有点忧伤，有点孤独和不安，甚至有一种近乎挣扎的姿态。画家梵高也在油画中表达出清新的洋溢与活力的气氛。这是一生浸在痛苦与无奈中度过的画家对大自然的赞美，是对美好生活的向往。
哪一款裙子是你心中的绝世好美？
比起穿上就艳惊四座、收获全场目光的华丽裙子，对一位步入中年的熟女来说，更“绝”的选择是能陪伴我们经历生活中每一个重要时刻，彼此交换底气与爱慕的裙子。
穿上它，我们可以自信地见任何人，去任何地方，经历任何故事，成就我们的每一个高光时刻。
更重要的是，它们的美可以跨越光阴的界限，不追随潮流，在岁月的沉淀下反而愈发动人，在几年或几十年后穿着，也依然会再次为它心动。
1、墨绿色真丝丝绒裙
我穿过真丝、穿过丝绒，却从未穿过以100％重磅真丝为基底的丝绒裙，它格外亲肤柔软，时刻泛出高级大气、暗哑流动的复古光泽，那种光泽是360度存在的一种氛围与韵味，清雅、贵气、文艺、古典，与普通丝绒截然不同。
早在16世纪，女王伊丽莎白一世就穿着丝绒制成的华服,丝绒面料本身的垂坠感和暗哑光泽带给穿着者额外奢侈感，当它和纱质拼接，就像一个美人遇见另一个美人，惺惺相惜，相见恨晚。
2、深灰色两穿风衣连衣裙
如果走在街上，远处走来穿这件深灰衬衫连衣裙的女士，我肯定自己会顿时眼睛发光，克制不住对她的凝视与欣赏，因为她就是我们从年少时就憧憬想要成为的样子——成为优雅的淑女。
3、灰紫色小西装领连衣裙
“穿着讲究，就是对自己的温柔”。在这件小西装领连衣裙身上，灰紫色率先奠定下文雅知性的基因，同时也亲切平和，姿态舒展，办公室每个皮肤色度的姑娘穿上都脸色为之明亮了一到两个度。
不管怎样的身材穿上它似乎即刻身姿优美，并不来自于过份强调身体线条，只使用挺拔的立体裁剪使得人与衣服产生空间关系，在肩膀、袖笼和腰部轮廓线条都做得很精准，穿着者在漫步中产生裙摆和情绪律动，营造出一种“new look”的古典氛围。
4、镂空提花丝绒小黑裙
黑丝绒如夜幕般柔滑，古典深邃，天生具备一种美的张力感。尤其这一块黑色烧花丝绒，在莹润的绒面之上同时自带许许多多字母“T”的镂空提花图型，面料反面覆盖一层薄纱，确保这份美不会走光。它们纯真又梦幻，复古又轻盈。
复古褶裥立领设计，如同一朵含苞的玉兰，它的姿态是朝着天空骄傲上扬的，精气神焕然一新。
5、深灰色人字纹蝴蝶结伞裙
在某种意义上，是迪奥的New Look风格裙装真正结束了二战，当呆板沉闷的女性线条被复苏了，美好的生活才会再次启动。
这条很New Look风格的深灰色秋冬连衣裙，肩部修身而优美，伞裙裙摆略华美却不膨胀，因为深灰色质感，由华美渐渐流转为书卷香气，整身洋溢出一种微妙优美的“花冠线条”。
6、针织条纹高领羊毛连衣裙
那些点状与条纹交织的明黄与湛蓝，如同一曲天籁，美妙难忘，竖条针织纹理站立纤瘦，行走自由动人，穿着者就像是一位在时光中轻盈穿梭的优雅女士。每一根条纹纹理都在工艺上对齐了，手臂和肩膀显得清秀，透露出迷人的内在风情。
7、多穿法高弹力羊毛小黑裙
这件黑色针织连衣裙它借鉴了小礼服元素和气息，利用双层衣领设计和针织材质的高弹力，营造出楚楚动人的身体线条，以及支持多穿法的领部设计。
你可以决定今天的自己是穿矜持的一字领，还是将单肩或双肩轻轻拉下去参加年会或者重要聚会，或者去和心上人尽情约会——放心，因为双层设计和高弹力，不管你拉到哪个位置，它都稳定在那里，不会左右游移。
8、法式波点复古百褶长裙
多年前我在法国买的一条白色波点连衣裙，很小众的设计师品牌，偏偏出乎意料好穿，我在伦敦街头搭配过卡其色风衣，在米兰搭配三层珍珠项链去参加展会，各个场合与情景都份外融入，不断有朋友问我在哪里买的漂亮裙子。
我非常非常钟爱这件波点连衣裙，它们行云流水般的裙身荡漾感就像拥有着生命似的，浑身散发出一种去除了甜腻味的清新复古与优雅，就像我们想要成为的那种模样。
9、真丝印花裹身裙
就像“西西里的美丽传说”那般风情万种的真丝印花裹身连衣裙，当她穿越广场，一路散发出令世界都感到不安的女神之美。从1974年第一条意大利本土出品的裹身裙开始，这条裙子就成为女人味的象征。高级的真丝裹身裙就具备这种魔法，任何不完美身材穿上都轻易能够显瘦、显高挑、显优雅、显华美。
10、新中式改良旗袍裙
瓷白色改良版旗袍裙，骨感的轮廓以及合适长度，减弱了旗袍本身风情感，被塑造出格外年轻舒展的气质。穿着者如玉树临风般潇洒骏逸，周身像是蒙上了一层薄雾，意境清淡，穿上就感受到面料带来的体贴弹力，舒服自在，轻松得意，仿佛自己是琴棋书画样样精通的才女。
11、复古小立领小黑裙
Gentlewoman的都市风格，都蕴藏在这条小黑裙里了，既潇洒率性有进取心，又散发文雅知性——领口、垫肩、腰线、下摆都设计得非常精妙，将穿着者的肩颈线条和全身比例都进行了微妙优化，塑造出干练优雅的女性线条和气质。采用了小立领与V领结合，确保不会走光同时注重修饰脖颈和脸部线条，也可加入各种小丝巾和项链塑造风情。
莫奈的画你最喜欢哪一幅？
最喜欢莫奈的《喜鹊》：
这幅作品是莫奈1869年创作的，画布尺寸为89×130cm，现收藏于巴黎奥赛美术馆。
春节期间，武汉的气温也一度降至零下四度，全国各地都下雪了。看到这个问题的时候我正在老家的院中赏雪。自然而然想到了莫奈画的雪景：
选这幅《喜鹊》，首先因为这幅画是莫奈首次尝试用色彩描绘阴影，而它后来也成为印象派相关运动的代表作。
阳光照射在雪地上，产生的阴影在我们眼中呈现出不同的颜色，而莫奈的这幅作品就是要定格住那一瞬间光的“印象”。
其次，这幅画描绘的场景让我们感到很熟悉，不像莫奈其他作品一看就是国外的生活。画里的冬日景象就像我们记忆中老家某一年的冬天，非常亲切。
看着这幅画，童年的记忆也慢慢浮现在眼前：
冬天也是和画中一样的雪景，冷的直哆嗦，母亲叫也不进屋，和同村的小伙伴一起打雪仗，玩得忘记了时间。最后到了傍晚时分，小伙伴们一个个被自家母亲那响彻全村的呼唤声喊回家吃饭，一哄而散，现在想起来真的好好笑。
现在逢年过节回老家，和小伙伴们碰见之后虽然没有小时候那么热络，但仍旧是欢喜的互相祝福。
留存在这幅画中的回忆永远不会随着时间而淡去。
莫奈的画当中，以风景居多、人物其次。以动物为主题的画比较少。除了这幅《喜鹊》以外，还有一幅以小狗为主题的：
克劳德·莫奈(Claude Monet)《狗头Head of the Dog》，1882画面简单，狗狗形象生动，趣味性十足。仿佛我们每个人生活中都见过这样一只普普通通却又个性十足的狗。
莫奈的主要作品赏析《草地上的午餐》1863年
25岁的莫奈在舍依创作了这幅长20尺的巨作。那时库尔贝也在舍依作画，时常给《草地上的午餐》提修改意见。此画完成后，莫奈十分后悔听了库尔贝的意见，对作品很不满，决定不送沙龙展出。在离开舍依时因缴不起房租而将此画作抵押，可惜因房屋潮湿，这幅巨作被损毁。现在这幅是小的草图。
画中阳光透过林木洒在人物身上和地面景物上，透明灿烂，令人耳目一新。
肖像《穿绿衣的女士——卡美伊》1866
这幅肖像充分显示出了莫奈的个性：他对造型的淡漠态度，以及这个女人的动势和她的裙子上颤动的光产生的一种动力感和生动性。
但这幅画缺乏色调效果：光线和阴影落在了人物所占据的同一个平面上，光线不能渗透人体，不能成为有形的实体，固有色起了过多作用——这些合在一起，与其说是真实表现事物，不如说是一种公式。
而这种公式化一旦消失，光线便将渗入中间调子，生命也将渗透每一个笔触，而整体的统一也就将要形成，那时，艺术就会变得花团锦簇，印象主义就要完全成熟了。
《花园里的女人们》1866
为了绘制这幅大型油画（2.55×2.05米），莫奈在花园里挖了一条壕沟，将巨幅画板竖在壕沟里，然后站在边沿上挥笔作画。为了突出浅色着装的女子，画面上使用了大量的浓绿色，她们身上既有林间射入的阳光，又有树木的阴影。
画面上的4个女人，都由一位模特充当，这位模特就是卡美伊（后来的莫奈夫人）。
《圣日尔曼·俄塞罗瓦教堂》1867
这幅画对于他未来风格的发展具有更大的意义，这里的用笔方法已经是印象主义了，但色彩还不够透明，甚至蓝色的阴影也还是浑浊的。
《日出·印象》1872
1872年，莫奈创作了扬名于世的 “印象·日出”。这幅油画真实地描绘了法国海港城市日出时的光与色给予画家的视觉印象。
由于它突破了传统画法的束缚，有位批评家就借用词画的标题，嘲讽以莫奈为代表的一批青年画家为“印象主义”，这一画派以此得名。
《阿尔让特依的塞纳河》1873 油画 50.5×61cm
整个阿尔让特依沉浸在一种即将逝去的光线中，这种光线只有莫奈才能表现得如此自然。他的每一笔都既短促又精确，这无疑更能表达出视觉感受的瞬息万变。
《散步，撑洋伞的女人》1875年
这件作品是莫内早期的印象技法画作。画面正中偏右站着一位撑阳伞的女士，而画面偏左较远处的就是她的儿子。这是一个晴天的早上，两母子在草地上漫步。
《圣拉查尔火车站》1877 年
1877年莫奈在第三届印象派画展上展出了一组共7幅表现都市题材的作品：《圣拉尔火车站》。这一系列作品所散发出的光线、色彩和运动的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统主义。《艾特达的马纳博特：水中倒影》1885 油画 65×81cm地处科镇诺曼底海岸的艾特达有着十九世纪艺术家们最为欣赏的景色。
莫奈其他作品阅读的卡美伊·莫奈 雷诺阿莫奈在他的阿让特伊花园里作画睡莲韦特伊莫奈花园海浪 莫奈圣·阿德列塞花园 莫奈
