春天开的花简笔画，孩子什么时候开始学习绘画比较好？
美国教育家布鲁姆指出:人脑发育成熟是从0-17岁，0-4岁大脑发育完成了50%，4-8岁完成了80%。学生如果在大脑发育时不进行教育的话，长大后再进行教育就不如早期教育的效果好。
脑科学研究证明:幼儿空间知觉的关键期在2岁左右，形状知觉关键期是2-5岁;颜色视觉的关键期是4-5岁这个时间等。
从广义上来讲。十岁以前孩子的绘画，都叫儿童画。 从狭义上说，儿童创意画叫儿童画。只要这一年龄段的孩子发自自我内心的绘画，都带有儿童的心理和生理基本特征。所以，我们通常的提法，就叫它“儿童画”。
从绘画来说，三岁到六岁是大部分孩子学习绘画最好的时间段。这个时期的孩子更容易对绘画产生兴趣，也是绘画能力提高速度最快的时期。 为什么3岁之前的孩子不适合学绘画？ 首先3岁之前的孩子身体力量过小，可能连画笔都无法拿稳。
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孩子几岁开始学画画好？
从绘画来说，三岁到六岁是大部分孩子学习绘画最好的时间段。这个时期的孩子更容易对绘画产生兴趣，也是绘画能力提高速度最快的时期。 为什么3岁之前的孩子不适合学绘画？ 首先3岁之前的孩子身体力量过小，可能连画笔都无法拿稳。其次这个时期的孩子还处于感知和认识阶段，空间、色彩、表达等方面的能力还很弱。这个时候的孩子会拿着画笔到处图图画画，并无章法，同样也不适合学习如何绘画，除了手部力量无法达到绘画的要求以外，过早的让孩子接受系统化训练，也有可能对孩子的想象力产生影响。 如何教适龄的孩子画画？ 还记得小时候我们是怎么学画画的吗？老师会拿出一个已经画好的作品让我们照着画出来，比如老师拿了一个画好的直升机，全班就开始一起画直升机。现在来看，这样的方式应该叫临摹。绘画不同于一些其他学习，绘画是没有所谓的正确答案的，因此在教孩子学习时，我们应该做的是引导，让孩子们按自己的想法去画，可以改变物体的形状、颜色。孩子是否有画画的天分，也不应该用“像不像”作为标准。 家里有很多绘本，可以让孩子照着画吗？ 孩子画画，重要的是孩子的感受，这种感受可以来自于任何源泉。绘本也是可以的。但同时要注意，他照着画是因为他喜欢，不提倡家长和老师引着孩子临摹绘本甚至只是要求孩子照着画。所以不能单纯的用临摹绘本或者其他艺术作品代替画画，还是要有其他形式的引导，要注重孩子自己的感受和想象，不被别人的作品限制。
2 浏览272 2018-10-21
小孩子学画画一般从几岁开始比较好
问：什么是儿童画？ 答：从广义上来讲。十岁以前孩子的绘画，都叫儿童画。 从狭义上说，儿童创意画叫儿童画。只要这一年龄段的孩子发自自我内心的绘画，都带有儿童的心理和生理基本特征。所以，我们通常的提法，就叫它“儿童画”，国外一些发达地区，象美国、日本的十几岁的孩子喜欢画儿童创意画，当然也算儿童画。儿童画有年龄的限制，也没有年龄的限制，不同年龄的儿童画在画法要求上有一定的差别。不论是游戏性的涂鸦，或想象画、命题创作画与写生画，只要是儿童自己的创意，表现儿童自己趣味的都属儿童画。从反面讲，凡是大人意志为主导的简笔画、卡通画、临摹画、小老头画、小大人画，至少不能算是典型的儿童画。 问：儿童为什么画画？ 答：人类在没有文字之前，就有了绘画。儿童在未学文化之前，就自发的萌发了绘画的欲望。从一两岁的信笔涂鸦开始，就反映了儿童的这种天性。绘画是无声的语言。画画是儿童的心理需要，他是一种感情发泄的方法。那种不能用语言、心情、动作表达之外的表达，就是画画，这是他们表达自己心灵智慧和心情感受的必要心理活动。爱画是儿童的天性，爱美是人类的共性。所以，儿童喜欢画儿童画。 问：儿童画有什么基本特点？ 答：好的儿童画必须符合儿童的心理特点和生理特点。儿童与成人不同的是：天真幼稚、自由浪漫、无拘无束，、随心所欲、想象力强而写实性差。所以，好的儿童画具有以下几个特点： 1、天真性：儿童画的构思天真无邪，无拘无束，不合常理而通画理。 2、幼稚性：儿童画的造型及想法都很幼稚，这是由于他们年龄的生理和心理所造成的。 3、故事性：儿童画的内容有一定的故事性，他们的每一幅画都是一个美丽的故事。 4、随机性：儿童画的运笔随机自然，一笔过去，不修改、不做作。 5、自由性：儿童画的构图自由自在，随心所欲。 问：儿童学画有哪几个阶段？ 答：关于儿童画的分段，目前有几种提法。我倾向于这样四个阶段：即涂鸦期、象征期、表现期、写实期。 涂鸦期分有目的的涂鸦（3岁至4岁儿童）、无目的的涂鸦（1至2岁）。 象征期为4至5岁的孩子； 表现期为6至7岁的孩子； 写实期也叫转型期，为8至10岁的孩子。 问：儿童几岁学画才好？ 答：只要孩子能拿笔，自己已经爱涂涂画画的时候就可以让他画了。从无目的的涂鸦到有目的的涂鸦，主要是涂涂色、填填色。走出涂鸦期的孩子，就可以正式学画了。也就是四岁以上的孩子，他们能有目的的使用象征式的符号来表达自己的心意，就是学画的最好时期。 问：儿童画与成人画有什么区别？ 答：大人因为成熟才美好，而孩子却是因为幼稚才可爱。这是不同年龄的美学特征，要求上有很大的不同。所以，我们必须站在儿童的角度来认识儿童画。认识儿童画中的天真幼稚是一种美，随机自然也是一种美。儿童画是儿童身心的正常反映。由于年龄的关系，他们往往是凭着想象看问题。所以，他们的作品必然是天真幼稚、自由浪漫的。 问：儿童画为什么要保持天真幼稚的特点？ 答：儿童画的天真幼稚，是由于儿童天真幼稚的心所造成的。而儿童天真幼稚的心是其年龄特点的正常反映，是其生理和心理的必然写照。所以，儿童画应当天真幼稚。不幼稚反而失去了儿童画的美感。 自然界有一个规律：早期成熟早期衰败。所以，我们千万不要把孩子拉到成人的队伍里来。 问：儿童应该怎样画画？ 答：儿童学画一定要给孩子们自由，还孩子的本色。开放式的方法，沿着适合儿童生理和心理的正确路线发展，家长和老师还要学会理解儿童，理解儿童的画。儿童学画寓教于乐，在快乐的游戏中培养他们的想象力、创造力和审美情趣，以素质教育的新理念培养他们的创造性思维。儿童学画既要反映物质世界，又要反映精神世界。也就是既要画出物体形象，又要表达自己的心灵感受。 儿童在涂涂画画中发挥自己的天性，用他们美丽的幻想，表达自己的情感世界。还有四个要点应注意： 1、儿童画来源于先天的本性和对生活的观察理解。 2、儿童在画画中是凭着感知找到一种感觉在画。 3、运笔中发挥的是一种情感，即心情和感受，表达的是自己的理解和理想。 4、儿童画造型要一笔一个结构，每个结构一笔画成。这个“一”很重要，因为“一”就是一切，一切就是一。每一副画都是这样，一笔过去，不修改，不做作。从最简单的“第一笔”开始，一笔一画，一心一意，到最复杂的“一个画面”结束，都贯穿着“一”的精神，这样简便易学，没有心理负担。 问：如何循序渐进引导三岁小孩画画？ 2-3岁的幼儿开始涂鸦，爱拿他们能接触到的工具，比如铅笔、蜡笔、粉笔、钢笔，甚至树枝、木根等在他们认为能画的材料：如纸、书、墙、地板上又涂又画，当看到自己涂画出斑斑点点、条条块块时，就会非常高兴和满足。可这些小班的幼儿往往会出现拿着笔不知如何画的情景，如何引导幼儿画画，我们要采取循序渐进的方法： 让幼儿自由发挥，大胆作画 对于刚入小班的幼儿，我们不要求他画出来什么，只要他拿起作画工具在纸上涂鸦就可以了，让孩子根据自己的感受，自由发挥，他说是什么就是什么，养成爱动笔的习惯。 用多种绘画形式，激发幼儿兴趣 对于3岁的孩子，如果长时间只用油画棒作画，时间一长孩子就会失去兴趣。这时，我们可以采用多种绘画形式，如棉签画、吹画、水彩画等；也可在一张作品中，用多种作画形式；此外，还可利用手工与绘画相结合的形式，激发幼儿的兴趣。因为这种方式让幼儿体验到动手操作的乐趣，为幼儿所喜爱。此外，幼儿还可以在捏泥、折纸、粘贴等活动中获得的对物体的感知，有助于他们在绘画时表现此物体。 幼儿在主动参与游戏过程中掌握绘画技能 3岁的孩子基本处于涂鸦期的表现期，对枯燥、单一的临摹不感兴趣，根据年龄特点，我们在游戏中可以采取这样一些形式： 通过游戏、激发兴趣。例如，我们在活动区中为幼儿投放了画线条的游戏内容。先带幼儿去观察饲养角，看看里面的小动物，观察一下笼子的样子，在区域游戏时，教师为孩子准备了印有大灰狼的白纸，生动地说：“动物园里的大灰狼要是走出来，会吃掉小动物的，咱们把它关到笼子里去好吗？”孩子们饶有兴趣地画了许多密密麻麻的线，把大灰狼关在了里面。不但达到了游戏目的，又培养了孩子们爱护小动物的情感。 让生活成为绘画的源泉我们可根据本地的环境、季节变化，来引导幼儿观察环境、体验生活。如春天，带幼儿到郊外游玩，引导孩子们有目的的观察，回到教室，让幼儿把看到的、听到的自然而然地表现出来，画的内容是孩子的亲身经历，孩子是绘画的主人，体会到其中的愉悦，兴趣也随之增加。 欣赏名画、感受美绘画来源于生活，又高于生活。为了进一步引导幼儿绘画，感受经典，可让幼儿欣赏一些名画。如在美术角放上希乐菲乐德的名著《鲜艳的水果》，感受其色彩的鲜艳，认识颜色的种类。另外通过观察大师的杰作，使幼儿感受美，从而大胆想象创作。如命题画“美丽的向日葵”，我们搜集名家的画、优秀的儿童画、教师创作的各种花卉，提前几天张贴在幼儿能看到的地方，用渗透式的方式让幼儿感受大师的作品。 在绘画过程中，增加幼儿的自信心 在绘画游戏过程中，我们要随时观察幼儿的情绪变化，对孩子点滴的进步和闪光点加以表扬、鼓励，当孩子遇到困难无以下笔时，要引导其大胆作画，积极参与。
156 浏览35083 2018-05-10
小孩子学画画一般从几岁开始比较好？
如果是4岁以下小孩子的话就先从手工，比如太空泥这种玩起，等到有了自我意识，比如学前大班，他还喜欢，那就开学正式的彩色画阿什么的。如果他不喜欢，那就可以再换个兴趣了。对于小孩子来说，兴趣真的是最好的老师。
68 浏览7609 2018-11-20
小孩从几岁开始学画画
美国教育家布鲁姆指出:人脑发育成熟是从0-17岁，0-4岁大脑发育完成了50%，4-8岁完成了80%。学生如果在大脑发育时不进行教育的话，长大后再进行教育就不如早期教育的效果好。 脑科学研究证明:幼儿空间知觉的关键期在2岁左右，形状知觉关键期是2-5岁;颜色视觉的关键期是4-5岁这个时间等。 从广义上来讲。十岁以前孩子的绘画，都叫儿童画。 从狭义上说，儿童创意画叫儿童画。只要这一年龄段的孩子发自自我内心的绘画，都带有儿童的心理和生理基本特征。所以，我们通常的提法，就叫它“儿童画”。 从绘画来说，三岁到六岁是大部分孩子学习绘画最好的时间段。这个时期的孩子更容易对绘画产生兴趣，也是绘画能力提高速度最快的时期。 为什么3岁之前的孩子不适合学绘画？ 首先3岁之前的孩子身体力量过小，可能连画笔都无法拿稳。
1 浏览177 2018-07-11
孩子学画画应该从多大年龄开始比较合适?
国际上有种U型曲线的说法，就是说孩子大部分领域里的发展都是跟年龄成正比的，但是在艺术领域，比如学画，幼儿具有惊人的高水平，到了童年中期则出现明显的退步。孩子在上幼儿园中班大班、小学一二年级阶段，拼音、汉字还没完全熟稔，这个时期他的想像力和创造力是最强的，因为画画就是孩子的语言表达。家长应该特别留心这个时期对孩子兴趣的开发。 孩子在4岁左右进入所谓的“图式期”，所画形象渐渐具体，画法也较安定。但可能十分主观地夸张他们特别注意的形象。 这时候，父母最好多鼓励他观察周遭事物的变化，让他了解：一朵小花除了盛开，还有凋谢的时候；树叶也有发芽、卷缩和枯落之别。此外，不要操之过急，忙着捉刀代笔，设法让他“画得像一点”；或购买一些油画给孩子当范本。过早要求像大人般控制比例大小，或让他在小范围内涂色，对视觉与手的协调能力犹未成熟的孩子，是强其所难。尤其油画限制孩子的想像力，早已为专家们否决。 从这时候起，孩子的想像和观察会愈来愈丰富、敏锐；他开始有同伴意识，愿意与人相处；他需要各式各样新鲜的刺激，来满足小心灵对这个大世界的好奇心。这就是送孩子进入绘画班的最佳时机了。
油画春天创作过程和主题？
步骤: 从材料开始: 画布，亚麻布，当然在硬纸或者木板上画也是可以的,事实上最早的油画是画在木板上的,不管画布还是木板都要做底否则油会被吸走。 颜料，去画材店买，常用的几个颜色多买一点，白色是用得最多的。 画笔，硬得软的都可以备一些，硬的是猪鬃笔,软的是狼毫笔。 调色油，松节油和亚麻油(记得用熟亚麻油就是颜色深的那种)，买现成的绷好布的框,不过那个框的底子不行还要加工一下，均匀的抹几层乳白胶，干了记得打磨，然后再买油画地料图个2到3层，也要记得打磨，别用过于粗的砂纸。 开画以后就是熟悉材料的性质和原来的绘画基础了 起稿的时候用透明的颜色，主要是棕色和群青这样不会翻上来的颜色(像红色和紫色这样的颜色染色力太强用来起稿日后会渐渐得透出来,所以使用的时候要小心)。 开始绘画的时候用松节油调色，然后慢慢增加亚麻油的比例，如果只用松节油画画颜色是没有光泽的而且附着力也不怎么好。 实际作画的技法是不固定的,看你适合什么了,刚开始可以都接触一下,厚堆的,薄涂的,直接划法和间接画法(罩染法)。
算是日本的历史特色文化产物吗？
很多朋友都曾听说过浮世绘，但对其认识非常有限或者曲解，比方有人甚至简单将其理解为日本春宫图，是非常严重的误解。
根据历史记载，浮世绘出现并盛行于日本江户时代，也就是1603年到1867年之间。江户时代算一个我们熟悉的名词，因为很多日本漫画故事都以此为背景，比方《浪客剑心》、《犬夜叉》、《一休和尚》等等。日本的这个「时代」我们可以理解为中国的「朝代」，从旧石器算起至今，日本被划分为16个时期，江户就是其中一个时期。其实江户是个日本地名，这个时代也史称德川时代，因为是德川家族以江户为都设立幕府进行统治的朝代。幕府我们暂且理解为政府，是日本的一种权力机构。
日本的江户时代跟中国明朝末期到清朝末期是同一个阶段，属于日本最后一个武家统治的封建朝代。因为最大的封建主就是将军，将军直接管理着全国四分之一的土地和许多重要城市，全国其他地区分成大大小小两百多个「藩（fan）」，藩主必须听命将军。将军与大名（日本古时封建制度对领主的称呼）都养着自己的家臣即武士，他们构成了幕府统治的基础，从而形成了由幕府和藩构成的封建统治制度即幕藩体制。
在江户时代，全体居民都被严格地分为四个阶层：武士、农民、手工业者和商人。期间日本对外实行锁国政策，严禁与外国贸易，禁止日本与海外交往，把外国商人和传教士驱逐出境，只许同中国、朝鲜、荷兰等国通商，属于标准的闭关锁国政策。
不过这种闭关锁国确实让日本国内由此维持了较长时间的和平，经济获得平稳发展，所以文化创作也由此繁荣。江户地区当时是日本经济中心，也是消费中心，这里形成了发达的商业文化和部分富裕阶层，浮世绘也是从这个时候由一些市井画工开始创作，它类似一种小报性质，刚开始以反映一些具备时效热点的大众生活文化为主。
其实最初的浮世绘是借鉴了中国古代的木刻版画手法，所以浮世绘最初是以小说插画或者民间故事绘本这样的方式存在的，我们可以理解为，江户时期的日本人借鉴了中国明清时期的木刻版画技术及手法，孵化出浮世绘。因为明清年间，正是木刻版画发展最鼎盛的时期，几乎每本书都存在插图，每一张插图都精心制作，原因是那时很多著名的文人墨客都参与其中，比方说唐寅（唐伯虎），他就曾为《西厢记》这本书创作插图。
但问题是，其实版画这种形式并非明清时期流传到日本的，而是更早的唐宋时期，具体的形式就是佛经，因为中国的木刻版画最早可以追溯到汉朝时期的画像砖，就是下图这种：
这种画像砖的制作方式很简单，就是用木材制造阳文（内容凸出），直接压到湿砖上面，等砖块干后，就形成了浮雕形式的凹形画像，当时这些砖主要记录生活中的故事，所以我们在图中可以看到一些关于打猎为题材的图像。
到了唐代，雕版印刷技术发明了，版画就水到渠成的诞生了，那时版画主要应用在佛经上，比方目前收藏于英国不列颠博物馆的《金刚般若波罗密经》的一张插图，就是中国现存，也是世界最早的木刻版画。
众所周知，日本有个旅游胜地叫长崎，这个地方距离中国上海仅仅800公里，是自古以来中日沟通的必经之地，而唐宋时期的佛经就是通过长崎这个地方流传到日本的。以日本扬名世界的善学之道，毫无疑问的，他们很快就学会了佛经上这种插画艺术形式，并且很快应用到自己的出版物中，大致在桃山时代（1568-1615 丰臣秀吉统治）日本的京都与大阪就开始出现有木刻插图的「绘入本」（文字比插图重要）文学类书籍了。
但这距离浮世绘的真正形成还差一步。江户时代出现了一个关键人物，他被公认为是浮世绘创始人，他叫菱川师宣，出生年份已经不详，但逝世于1694年。他出生于江户附近的安房国保田村，家里经营染织品缝纫，父亲是金银织绵艺人，所以菱川师宣小时候就跟父亲学习画绣花图案，大致20岁左右开始涉足江湖，为市井小说手绘插图。
这些插画从形式上看和中国的木刻版画几乎是没有区别的，真正让浮世绘称为浮世绘是在于菱川师宣的一个重要举动，就是他将这些插图从绘本中分离，独立的以单幅形式创作，日本称为「一枚摺」，一枚摺当中图画不再是文字的依附，图画就是主题本身。
这个区别其实很大，因为中国明清的木刻版画主要都是以插图身份存在，是为了说明文字，衬托文字存在的，而浮世绘则是独立的绘画作品，文字反而成为了其说明补充的部分，当然浮世绘作为插图也是一个重要的存在形式。
最初菱川师宣的单幅浮世绘画面还是单色的，就是黑白两色，日本称为「墨摺绘」。因为当时还不具备多色版套印的技术，但个别画师会为了满足一部分客户的需求，手工上色。
菱川师宣流传于世最具代表性的作品就是以下这幅《回首美人图》：
这幅作品对浮世绘的重要意义在于，基本奠定了「美人画」的基础，美人画属于浮世绘当中的一个主题大类，主要以绘制年轻女子为题材，其中包含了游女（即妓女）和茶屋看板娘（招牌女郎）等，其它的主题大类有役（yi）者绘、名所绘、武者绘等等，还有一部分以情色为主的春宫绘。而菱川师宣为了迎合市场其实有大量的春宫绘作品，但其描绘方式不算非常露骨，比方《冲立之影》、《低唱之后》。
菱川师宣在大概二十五年间的绘画生涯当中，共制作了一百二十余幅单幅版画、六十种以上绘本、百余册插图小说，若以每册绘本二十五幅，每册小说插图十幅画面计算，总量约超过二千五百幅，在质与量方面都是此前的出版界及任何一位画师无法比拟的，他的出品极大的提高了木版画地位。所以菱川师宣为浮世绘的确立及广泛传播做出了历史性贡献，虽然他个人一直坚持否认自己是浮世绘画师，而喜欢以「大和绘师」自居（大和绘是日本10世纪前后产生于日本本土的民族绘画），但世人坚定认为他是浮世绘版画的创始人。
一般来说，浮世绘通常采用山樱木为刻版木料，山樱木其实就是山樱树，因为受树干直径限制，所以版面不太大，一般分为两种规范，分别是「大版」和「中版」，大版尺寸是39cm*26cm，中版是19.5cm*26cm（比A4略小），这些就是浮世绘的常见尺寸，所以很多时候为了表现大场景的创作，画师就需要将几块版面进行连接，这种形式称为「续绘」，常见的是「两续绘」和「三续绘」。
制作出一幅浮世绘需要由三种专业工匠合体完成，分别是画师、雕刻师和拓印师，而这三人背后还需要一个出版商组织，流程是首先由出版社根据市场因素来决定题材、内容，还要选择有人气的画师，由画师根据主题内容进行细节把握及创作，完成草图后，交给雕刻师刻版，第一版通常是墨线版，然后由拓印师先拓印出20幅黑白稿，一方面方便雕版修正，另一方面方便画师进行配色，通常是一张一色分别标出彩色版位置及色彩名称，服饰上面的图案则由类似学徒一类的工作人员来添加完成，然后再给雕刻师分别雕刻色版，最后由拓印师印制。
所以虽然画师很重要，但浮世绘终究还是一个团队协作完成的作品。假设画师很出色，但是雕刻师雕工不够细腻，拓印师无法拓印精致，成品也总会欠佳，这就是台前幕后配合的重要性。
浮世绘被称作日本江户时代的百科全书，因为其描述的主题囊括了生活中的方方面面，而根据后世整理统计，归纳出浮世绘创作中的三大主题，分别是美人画、役者绘（歌舞伎演员画像）及浮世绘晚期风行的风景绘（名所绘）。
美人画
美人画其实也是浮世绘最广为人知的一种存在形式，美人画所描绘的主角主要是吉原花魁（kui），而吉原是日本著名的第一花柳街，是1617年时江户幕府开设不久之后，在东京都台东区公开允许设立的妓院集中地，也就是一个专门经营风俗业的场所，吉原这个地名直到1966年为止在日本都是一直存在的。
花魁的意思是指头牌，可以理解为一个茶屋（类似中国的青楼）最受欢迎身价最昂贵的游女（日本对妓女的称谓），花魁一般需要熟习歌舞和茶道，而且普罗大众一般难以一睹芳容，也正因为如此，为浮世绘画师提供了无限商机。比方很多浮世绘出版商就将作坊设立在吉原，签约的画师也长期驻点吉原，方便随时可以进行美人画创作，画中的花魁都是真有其人，而且画上会签上其真实姓名，有点类似当代明星写真的概念。
浮世绘美人画创作的代表人物要首数喜多川歌麿（mi），我们可以先看看他的若干代表作：
其实除了描绘吉原花魁外，美人画的取材也有来自民间的年轻美丽女子，又或者取材一些古典和歌，日本的和歌类似中国的诗歌，和歌由古代中国的乐府诗经过不断日本化而发展形成，和歌包括长歌、短歌、片歌、连歌等。比方浮世绘历史上一位大咖铃木春信，他的绘制题材就不局限于花魁。铃木生于1725年，他笔下的美人画对比吉原花魁一类，显然是一股清流，多数主角清纯柔美，活像生活中的东邻少女：
其实关于浮世绘的美人画很多学者认为它与中国仕女画是存在密切关系的，就像我们之前谈论过，其实日本文化的母体就是中国，很多文化艺术都来源于中国文化艺术的演变发展。
比方我们看看唐代最著名的仕女画，由周昉（fang）绘制《簪（zan）花仕女图》，画中描绘了几位衣着艳丽的贵族妇女及其侍女在春夏之交去赏花游园，以工笔重彩绘制。我们发现画中的女主们其实跟浮世绘的美人画是很接近的，比方姿态与神情，区别在于两者衣着装饰存在民族差异，另外则是人物五官特征，唐代仕女画明显都是体态丰腴（yu）的典型女性形象，而其中最突出的区别在于仕女画描绘的主角都是宫廷贵族，而浮世绘美人画则都是民间基层，所以彼此的出发点是完全不同的，这也决定了浮世绘为何相比中国仕女画产生了更多的社会文化影响。
役者绘
役者绘又被称为「歌舞伎绘」，关于这个伎字很多人不解，其实是古代对以歌舞为业的女子的称谓，所以役者绘就好理解了，它主要以描绘歌舞伎演员、表演舞台、大小道具、沉浸在歌舞伎欣赏中的人物场景为主。
歌舞伎这种形式始创于1603年，正是德川家康在江户（今东京）开创幕府的第一年，当时京都有个出云神社，其中一名叫啊国的女巫很喜欢舞蹈，所以独创了一种载歌载舞的形式在街头为平民表演，而且啊国当时常以女扮男装的方式出现让大家感觉很新奇，她这种形式慢慢随着时间推移，变成集体歌舞，而且随着江户经济日渐繁荣，歌舞伎的场所也越来越多，成为大家茶余饭后的消遣去处，比方下面这幅浮世绘就描述了这个场景。
所以役者绘其实最初是以关注舞台表演画面为主的，但后来随着演员个人影响力越来越大，达到一定号召作用之后，浮世绘画师就从描述场景转移到为著名演员绘制肖像为主，当然描述过程中，歌舞伎的服饰，道具也是其重要组成部分。随着这些役者绘在民间的流传又进一步推广了歌舞伎剧场，两者相辅相成，而且根据后世统计，役者绘的数量跟浮世绘主流的美人画其实是旗鼓相当的。
谈到役者绘日本有一位极为神秘的画师，神秘之处在于出现时间极短，作品具有破天荒、独树一帜的个人风格，而且没有人知道他的真实身份，比方是男是女？来自哪里？年纪多大都无人知晓，他从出现到消失一直都是个迷，这个迷到如今都没有史学家成功破解，他就像浮世绘界的一颗彗星，他叫东洲斋写乐。
东洲斋写乐第一次出现在大众视野是1784年，当时有一位浮世绘出版商叫茑（niao）屋重三郎，其实他也是江户时代最有名的浮世绘出版商，因为这位兄弟是名顶级经纪人，比方他旗下拥有喜多川歌麿这样的超级大咖，他不知道迫于什么苦衷必须保守东洲斋写乐的真实身份，他跟东洲的第一次合作出版了28幅单人大版役者绘，这批处女作一出现就让江湖轰动，因为没有人觉得浮世绘是可以这样画的……
茑屋重三郎直到最后离开人世，都没有透露任何关于东洲斋写乐的身份信息，所以这样也更进一步推动了东洲的名气。
18世纪末到19世纪初是日本浮世绘的全盛时期，这个阶段占据主流的就是美人画及役者绘，役者绘除了名气最大的东洲斋写乐外，还有鸟居清信。鸟居的画风甚至被概括为鸟居派，因为他本身就是一名歌舞伎演员，所以他对役者绘有更独到角度的理解，他独创了一些描绘手法，比如「瓢簟足」和「蚯蚓猫」画法，以粗壮有力的造型配合变化多端的墨线勾勒，很多线条像蚯蚓一般，成为他这个派别的代表风格，他的后人还有诸多浮世绘名家，比方鸟居清倍及鸟居清长等。
风景绘（名所绘）
在全盛期过去后，美人画及役者绘出现一定程度的没落。在18世纪中叶，日本其实已经开始与欧洲进行通商贸易，这个过程除了商品交换，也出现了文化碰撞。浮世绘通过贸易过程，作为陶瓷的包装纸流传到欧洲，而欧洲也一样，这个时期西方的一些美术出版物也流通到日本，而这个流通就促成日本诞生了风景绘。
西洋画给浮世绘带来的最大冲击元素就是空间透视及明暗对比，我们知道浮世绘在美人画及役者绘阶段的画风其实都类似现今主流的扁平化风格，或者称之为「平涂」，平涂的特点是靠线条来形成关系，基本不存在很强烈的远近透视关系，而到了风景绘阶段，这些关系都逐渐出现了。
其实江户晚期也属于中国的清代，这个时期的中国属于文人画占据主流，山水画盛行，而中国山水画擅长写意，所以风景绘其实也正借鉴了这一部分，再跟西方的透视明暗技法融合，获得了日式风格的风景绘，既有较为准确的透视，也重视写意。
风景绘其实又叫「名所绘」，因为它们的创作主题都以名胜为主。江户晚期交通网络开始较为发达，而经济水平也有所提高，平民旅行成为热门活动，所以亲近自然成为一项消遣，为浮世绘画师提供了创作的动力。
首先在风景绘当中成大名的浮世绘画师就是葛饰北斋，我们之前多次谈及的被视为日本视觉符号的作品《神奈川冲浪里》（富岳三十六景系列）就是出自其手。
除了这个成就，葛饰北斋的另一个大成就是日本浮世绘历史上没有任何一名画师能像他一样活那么久，他从1760年出生一直活到了1849年，90岁才去世，而绘画生涯也长达了70余年。
在风景绘的创作上，成就紧随其后的是比他年轻三十七岁的歌川广重，歌川广重擅长很温婉的画风，他基本也伴随了风景绘的兴盛与衰亡，他原名其实叫安藤广重，但因为拜师画家歌川丰广，所以根据当时浮世绘界师徒艺名要传承的规矩，他更名为歌川广重。其实最初广重也是以绘制美人画及役者绘为主，风景绘的创作是在其师歌川丰广去世之后。
歌川广重所描绘的风景绘，总是和人物有着密切关系，并且富有诗意，所以也成为其作品特色，而且在风景绘的创作上，很多画师都是以系列来创作的，比方歌川广重比较著名的作品有10幅构成的《东都名胜》及55幅构成的《东海道五十三次》（最后一景分别画了三条大桥）我们来欣赏几张：
除了这两位画师，从事风景绘较为著名的浮世绘画师还有不韵斋及中井芳泷等。
喜多川歌麿
喜多川被称为美人画创作的巨匠，除了优质的输出及个人风格的建立外，更因为他属于浮世绘美人画范畴里的第一个代表性画家，也是浮世绘流传到欧洲后被欧洲人第一个熟知并推崇的画家，比方艺术史当中提到法国印象派所受到的「日本影响」，其实通常就是指喜多川，所以简单说来就是第一个成名，好比中国功夫里的李小龙，奠定了后者难以逾越的位置。
喜多川1753年生于江户北面上野山麓（lu）一带的普通农家，原名北川市太郎，最初拜师了画家鸟山石燕。古代的日本人只有名没有姓，所以很多时候父子的名字可以是毫无关联的，到了明治时期才被强制要求，产生了类似中国子承父姓世代相传的习惯。
而古代日本人的名字都喜欢根据居住环境或者职业来定，比方住在山脚下就会以「山下」为姓，住在水田边就会叫「田边」，养狗的就会叫「犬上」等等，所以喜多川最初的名字叫北川也符合他们居住江户北边的特点，而他师傅估计祖上就是养鸟的。
喜多川刚刚开始以绘制役者绘为主，直到1783年30岁时被出版商茑屋重三郎发现了他的才华并开始合作，那时候的他也正式更名为喜多川歌麿，两人一见面就合作出版了一本书，但这本书的主题既不是役者绘也不是美人画，反而是描绘花鸟鱼虫的花鸟绘，叫《画本虫撰》，目前收藏于日本国立国会图书馆。
1791年后，更名了的喜多川就开始正式专注于美人画创作并开始建立了自己的风格，他首先开创了「大首绘」，意思就是专注于脸部特写的半身胸像，用电影语言来说，就是专注于中短焦镜头的画面，其中有大量优秀的代表作，比方《江户宽政年间三美人》，关于这幅画的名字其实有很多版本，大家只需要知道有三美人这几个字一般都没错。
喜多川对社会底层的歌舞伎演员及吉原的游女充满同情，他也善于刻画人物心理活动，用纤细高雅的笔触绘制了许多以头部为主的美人画，长长的脸型，像线一样细的眼睛和高高的身材，就是喜多川笔下人物的一种独特属性。这种风格和他的艳丽色彩，构成了他绘画艺术的重要特色，我们再看看他的其它「大首绘」。
随着喜多川的作品不断发表，他成为大众日渐追捧的浮世绘人气画家，出版社茑屋重三郎也自然大发其财，成为当时的出版巨头，喜多川的创作风格也不断寻求创新，比方开始不再局限于画头像及半身。
也画一些大场景，感觉这些画必须深入到茶屋内部才能如此观察入微，所以当时也确实流传一些关于喜多川与吉原游女的爱情故事。
江户时代的浮世绘画家在创作上都喜欢做系列，喜多川也不例外，我曾经在一本书上看到喜多川一个作品系列叫《青楼十二时》，详细形象的描绘了一名吉原花魁一天24小时（古代计算为十二时辰）生活状态，比方梳洗打扮，更衣出行，招待客人等，刻画得非常的精彩：
喜多川画了那么多美人画，是否有春宫类创作呢？其实不但有，喜多川还是其中的大咖但其实几乎每一位从事美人画创作的浮世绘画师都擅长绘制春宫图。大概1790年，德川幕府就曾颁布书籍出版取缔令布告，下令取消有伤社会风化的出版物，对浮世绘版画实施各种禁令，其实就是针对春宫类创作，所以喜多川作为大咖备受打击，但并没有吃上任何官司。
但在1804年，51岁的喜多川还是因为浮世绘创作触犯了德川幕府，并且后果很严重，这幅浮世绘是三续幅，叫《太阁洛东五妻游观》，取材于前朝的「太阁」丰臣秀吉跟他的五个妻妾游乐的场景，被幕府认为在含沙射影当时的幕府将军德川家齐（同样妻妾成群），结果遭受手铐刑的监禁处罚。
接受处罚的喜多川在两年后，也就是1806年非常遗憾的抑郁而终，离开人世才53岁。因为浮世绘而崛起也因为浮世绘而陨落，让人叹息。
东洲斋写乐
东洲斋写乐就是我们上一期聊到属于役者绘创作中的巨擘（bo），悬案一般的人物，因为从出现到消失才短短十个月，是老是少，是男是女，什么时候出生什么时候离世至今都没有确切的答案跟考证，甚至很多日本侦探小说也曾经以他为题，比方高桥克彦获得江户川乱步奖的《写乐杀人事件》，封面也直接用了他那最著名的作品《三世大谷鬼次之奴江户兵卫》，关于一个谋杀故事的书籍，这幅画确实很适合做封面的。
东洲斋同样属于出版商茑（niao）屋重三郎旗下的画师，可想而知他的幸福感有多强，因为浮世绘当时的主流主题合计就两个，一个美人画，以喜多川为首，是属于他的画师，另一个役者绘，以东洲斋为首，也属于他，但茑（niao）屋重三郎不知道出于什么原因，到离世那天都保守住了东洲斋的身份秘密。
东洲斋正式出道于1794年，跟已经成名的喜多川是同期画师，当时一出手就是28幅单人大版役者绘，这些画一出现立马名动江湖，让各路英豪目瞪口呆，因为东洲斋的作品跟主流创作太不一样了。当时的画师就好比一群非洲原始部落的群众忽然看到一支欧美白人旅游小队的出现一样，难以置信，觉得遇到了新物种。
第一他绘制的很多是龙套角色，这是第一个反主流，第二他没有刻意去美化角色，甚至有一些夸张的丑化，按后世一些说法，他的创作属于比较漫画式的概括，表现性极强，简单说来就是容易让你过目不忘。
在群众一片哗然之后，仅仅过了两个月东洲斋又突然甩出风格突变的38幅作品，因为人物都是全身像了，而且表情也没那么扭曲了。其产量之大效率之高又让我猜测东洲斋根本不是一个人，而是一个团队。而这个时期圈子内已经有人在努力研究他的作品风格到底师承何人，因为当时的画师无论再厉害都有一个发展进步的过程或者师承的痕迹，但很遗憾，东洲斋这些都没有，他属于从天而降的类型。
这个时期的作品稍微显得比较主流，但其实论影响力东洲斋的第一批作品才是最震撼的，甚至到如今如果在互联网上搜索他的作品也多数以第一次出版的那28幅画像为主，因为作品对演员个性的渲染及动态形象的刻画太深入人心。同时我们可以谈一下东洲斋作品的工艺问题，第一批作品全部是使用云母板这种材质来创作的，这在当时属于一种昂贵的材料，当然效果也非常好，同时他史无前例在人物的眼角及嘴角上使用多套版印技法，用作强调神态，说白了，这些都是要花钱的。
所以有一种对东洲斋身份的推测显得有说服力，就是他应该是一名很喜欢看歌舞伎表演的贵族公子，甚至还是德川幕府的一名政要，同时他极喜欢戏剧及浮世绘创作，但因为当时江户时代士农工商等级森严，字画才是士族必修，浮世绘只是民间画匠的谋生技艺，是粗鄙的，如果贵族去参与显得堕落。
这种说法有三个立足点，第一是制作成本上的任性，第二是创作的自由，试想作为一名商人，茑（niao）屋重三郎会不考虑市场随便出版一些如此非主流风格的作品吗，而且还用那么贵的材料与技术，假设市场不接受就亏损严重了。第三关于保密，也是最重要的一点依据，茑屋重三郎到离世都不说出东洲斋的身份其实可能并非不想，而是不敢。
当然我们只是过一把推理的瘾，大家感兴趣也可以自行去研究。我们回到东洲斋的作品上，到了1794年的11月他又发布了一批作品，这次的役者绘不单有全身，有一些还有了道具跟场景，而且他绘制的人好像都拉长了，画风又一变。坦白说这部分的作品互联网上已经很难找到，我找到的是一部分疑似的。
1795年的1月，东洲斋又发表了一些作品，但是数量跟质量都明显下降了，互联网上也无法找到明确的这部分作品，然后，他从此就销声匿迹了。他从出现到消失合计10个月，合同绘制了140幅浮世绘，其中134幅都是役者绘。他谜一般的出现谜一般的消失，留给后人无数的悬念。而茑屋重三郎也在两年后因病去世，一切都恍如石沉大海。
为啥能把中国人迷得神魂颠倒？
书法是中华文化的核心价值，毫无疑问，一个不学习书法的人，完全可以称之为“文盲”，一个文盲在现代化强国之中，根本没有立足之地，这正式国家重视书法的根本所在。
不要犹豫了，孩子们，不学啥，都要学习书法，书法才是你强有力的武器，是你的一切工作所必须的动力源泉！
若要你在画上加一个太阳？
面前如果有一副山水画，想加一个特效，使整个画面看起来有杉杉如生，使人身临其境。
一副好的山水画，想在画面镶钦一个太阳，此时就要釆用一甜相机，打开膜法扣图，点击立即试试，选择相册里你需要的图片。
图扣好后，选择背景图片，点击，把扣好的图片，放到合适的地方，双手指按住图片，可以缩小或放大图片。
就这样一副唯美的图片，就成了。
为了使画面达到清哳，流畅，在巧影中用图层，添加混和模式，调节色度，来达到此效果。
我很喜欢山水画，有时会在画中添加特效，就比如太阳，首先得下载太阳图片素材，把他保存在相册中，用上述的一甜相机扣图，添加背景，用剪影中的蒙版，把太阳拖拽到合适的位置，就可以达到满意的效果。
